Retorno da atividade

O blog retorna à atividade normal dia 04 de março, segunda-feira. Até lá.

O Céu Pode Esperar

O primeiro trabalho do ator Warren Beatty atrás das câmeras, a comédia O Céu Pode Esperar  (Heaven Can Wait, Estados Unidos, 1978), alcançou merecido êxito – e o Oscar de Melhor Direção de Arte. Codirigido por Beatty e Buck Henry, é uma ótima refilmagem de Que Espere o Céu (Here Comes Mr. Jordan, Estados Unidos, 1941), de Alexander Hall. 

Beatty interpreta Joe Pendleton, atleta de futebol americano que se prepara para o maior o momento da carreira, o Super Bowl. Antes da decisão, morre atropelado. A caminho do "céu", descobre-se o erro. O óbito deve ocorrer em 2025. Jordan (James Manson), responsável pela "triagem celestial", procura novo corpo para Joe.  O escolhido é o do idoso Leo Farnsworth, poderoso e inescrupuloso industrial, recém-assassinado pela esposa Julia (Dyan Cannon) e o secretário Tony Abbott (Charles Grodin), ambos amantes.

Warren Beatty (E) interpreta atleta de futebol americano

 Perante os olhos dos vivos, Joe tem a voz e a aparência de Farnsworth. Mas age de maneira bastante diferente, o que provoca situações hilárias. Apaixona-se pela ativista Betty Logan (Julie Christie). Ela luta a favor da preservação da comunidade ameaçada por uma refinaria do empresário.

Joe quer recuperar a forma física e atuar no time do Rams. Para isso, convida o amigo e técnico Max Corkle (Jack Warden). Relutante, Max acaba convencido da verdadeira identidade de Farnsworth. Enquanto treina com os veteranos mordomos, o milionário compra o clube. Tudo por mais uma chance de jogar.

Algumas diferenças entre as obras de Hall e Beatty merecem atenção especial. No original, o protagonista, interpretado por Robert Montgomery, é um boxeador que assume o corpo de um jovem rico. A versão de Beatty traz à baila a discussão sobre o avanço descontralado do capital e o consequente desequilíbrio ambiental. Em 1941, o papel de Jordan pertenceu a Claude Rains.

Após a experiência de O Céu Pode Esperar, o realizador Beatty triunfou, em 1981, com Reds. O longa conta a vida do jornalista e escritor comunista americano John Reed, testemunha ocular da Revolução Bolchevique.

Viridiana

Figura proeminente do movimento surrealista, o diretor espanhol Luis Buñuel construiu sólida carreira.  Conquistou fama internacional ao realizar trabalhos aclamados pelo público e crítica. Na lista, Um Cão Andaluz, A Idade do Ouro, Ensaio de Um Crime, A Bela da Tarde, Tristana. Entre os marcos, Viridiana (Espanha, 1961). A obra  dividiu a Palma de Ouro, prêmio para o melhor filme do Festival de Cannes, na França, com Uma Tão Longa Ausência, de Henri Colpi.

Surpreende o fato de o exilado Buñuel, intelectual republicano e anticlerical, ter permissão para gravar Viridiana na Espanha franquista. O regime, de extrema direita, proibiu a exibição do longa.

Antes de fazer os votos, a noviça Viridiana (Silvia Pinal) recebe a ordem da madre superiora de visitar o tio don Jaime (Fernando Rey), único parente vivo. Don Jaime logo se encanta com a beleza da sobrinha, muito parecida com sua falecida esposa. Quer que ela abandone a vida religiosa, permaneça na mansão e se case com ele. Chega a drogar a  jovem, a fim de alcança o objetivo.

Durante o trajeto de retorno ao convento,  Viridiana recebe a notícia da morte do pervertido sedutor. De posse da casa, alberga mendigos, dando-lhes comida, teto e labor. A "utopia" caridosa não surte o efeito desejado. A presença do filho de don Jaime, Jorge (Francisco Rabal), outro elemento da trama, desestrutura a vida e muda a sorte da personagem central.

Em plano memorável, Buñuel reproduz o afresco A Última Ceia

Os mendigos aproveitam a ausência de Viridiana e Jorge para promover orgia de gula, sexo e violência. No banquete dos humildes, no plano mais célebre e polêmico do longa, Buñuel reproduz o afresco A Última Ceia, de Leonardo da Vinci. Pode-se presumir o efeito da imagem na plateia do cinema. Viridiana é, por várias razões, um grande espetáculo.

A Um Passo da Eternidade

Popular e premiado drama de guerra, A Um Passo da Eternidade (From Here to Eternity, Estados Unidos, 1953) tem justificados méritos – além do famoso beijo à beira-mar. A obra ajudou a consagrar a carreira do cineasta Fred Zinnemann, de Matar ou Morrer (1952), excepcional western. Direção, roteiro, interpretações e fotografia qualificam A Um Passo da Eternidade.

A história se passa numa base militar americana no Havaí, às vésperas do ataque japonês a Pearl Harbor, em 7 de setembro de 1941. Os conflitos íntimos e sociais dos personagens, suas tragédias pessoas, ocorrem nesse panorama. Nos papéis principais, Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra e Ernest Borgnine.

O soldado e ex-boxeador Robert E. Lee Prewitt (Clift) é transferido para uma companhia de fuzileiros navais. Ao chegar, é pressionado a voltar ao pugilato. O capitão e oficiais subalternos querem que ele integre a equipe da unidade. Prewitt se nega. A partir daí, começa a ser perseguido pelos superiores.

Enquanto Prewitt resiste aos exercícios e trabalhos extenuantes, o sargento  Milton Warden (Lancaster) envolve-se com Karen Holmes (Deborah), esposa do capitão. O amor ilícito estabelece situações complicadas. Mas também o momento antológico do longa: na praia, deitados na areia, os dois são surpreendidos e cobertos pela onda durante o beijo.

Burt Lancarter e Deborah Kerr em beijo antológico

Prewitt refugia-se nos braços de Alma Burke (Donna), profissional de uma casa noturna. Ele torna-se amigo do praça Angelo Maggio (Sinatra). Maggio, que quer apenas viver, enfrenta sérios problemas com o sádico sargento Judson, o Gordo  (Borgnine). Prewitt ganha, por fim, a simpatia de Warden.

A Um Passo da Eternidade venceu o Oscar em oito categorias. Entre elas, Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator Coadjuvante (Sinatra) e Melhor Atriz Coadjuvante (Donna). Burt Lancaster, Montgomery Clift e Deborah Kerr, juntos, é privilégio.

Uma Ponte Longe Demais

O elenco estrelar de Uma Ponte Longe Demais (A Bridge Too Far, Estados Unidos, 1977) dimensiona a obra: Sean Connery, Michael Caine, Dirk Bogarde, Gene Hackman, Anthony Hopkins, Ryan O'Neal, Robert Redford, James Caan, Maximilian Schell, Laurence Olivier, Liv Ullmann. Com amplos recursos financeiros à disposição, o ator e diretor Richard Attenborough soube realizar um grande drama de guerra. O roteiro, escrito por William Goldman (Maratona da Morte), é baseado no livro homônimo do jornalista Cornelius Ryan.

Em setembro de 1944, penúltimo ano da Segunda Guerra Mundial, a vitória sobre o nazismo aproxima-se. No Oeste, os aliados ocidentais haviam desembarcado na Normandia e libertado várias regiões da França. Na frente oriental, os soviéticos marcham de forma esmagadora. A fim de acelerar o desfecho, o staff anglo-americano arrisca. Adota o plano do  vaidoso marechal inglês Montegomery e lança a Operação Market Garden, gigantesca expedição de tropas aerotransportadas realizada na ocupada Holanda.

O objetivo é conquistar, atrás das linhas alemãs, pontes e, assim, garantir o avanço até o coração do Terceiro Reich. A poderosa presença do inimigo em terra surpreende as unidades aliadas. Elas estão despreparadas para o combate contra blindados.

Qualidade das imagens impressiona espectadores e cinéfilos

A decolagem das aeronaves repletas de militares; o salto dos milhares de paraquedistas;  os barcos de transporte sob fogo de artilharia; a troca violenta de tiros e explosões na ponte da cidade de Arnhem. Essas e outras imagens impressionam espectadores – e deliciam antigos cinéfilos, porque não são fruto de computação gráfica. Cenas emolduradas pelo heroísmo de soldados e vaidade, indisfarçável, de comandantes distantes dos campos de batalha.

Attenborough tem o senso do espetáculo. Gandhi (1982)  e Uma Ponte Longe Demais exemplificam esse domínio técnico.

O Canhoneiro de Yang-Tsé

A China contemporânea disputa a hegemonia mundial. O país, porém, esteve submetido à dominação de potências estrangeiras no passado. Parte dessa trajetória pode ser vista no clássico O Canhoneiro de Yang-Tsé (The Sand Pebbles, Estados Unidos, 1966), realizado por Robert Wise (O Dia em Que a Terra Parou e Marcado pela Sarjeta). O astro Steve McQueen interpreta o personagem central do longa, o marinheiro Jake Holman.

China, 1926. O gigante asiático é, de fato, território semicolonial. O capital internacional (inglês, francês, japonês, americano etc.), aliado às elites locais, domina a economia chinesa. Comunistas e nacionalistas lutam pela independência. A narrativa se desenvolve nesse fundo histórico.

Holman é enviado para servir na canhoneira San Pablo, da marinha de guerra americana. Excelente maquinista, tem personalidade forte, não admitindo o comodismo da tripulação. Ganha a antipatia de praças e do comandante da belonave, capitão Collins (Richard Crenna). Mas angaria a amizade do marujo Frenchy Burgoyne vivido pelo notável ator e diretor Richard Attenborough.

Washington encarrega o barco de resgatar e proteger missionários americanos ameaçados pelos distúrbios sociais. Nessa missão, Holman conhece a idealista professora Shirley Eckert (Candice Bergen). Ao contrário da moça, ele sabe que o futuro  promete frustração para ambos.

Há cenas de grande dramaticidade. No bordel, a prostituta Maily (Emmanuelle Arsan), por quem Frenchy se apaixona, é "leiloada". Lance a lance, os ânimos esquentam, até que explode uma briga generalizada. Em outra sequência, militares americanos são escoltados por soldados chineses, sob chuva de comida, de volta à embarcação. Humilhados, querem as fardas incineradas. Holman pede para que a sua seja apenas lavada.

As campanhas armadas pela reconquista da independência nacional, combinadas com a luta dos camponeses pela terra, resultam na vitória dos comunistas em 1949, sintetizou o historiador Daniel Aarão Reis Filho, em A Revolução Chinesa, da Editora Brasiliense.

Nosferatu

Críticos especializados apontam Nosferatu (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, Alemanha, 1922) como um dos filmes mais relevantes e belos do cinema mudo. Têm razão.  Dirigido por F. W. Murnau (A Última Gargalhada, Fausto, Aurora), alcançou enorme sucesso internacional. Adaptado do romance Drácula, do irlandês Bram Stoker (1847-1912), o trabalho teve o nome alterado para Nosferatu por causa de direitos autorais.

Em 1838, o jovem corretor de imóveis Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) viaja aos montes Cárpatos. A missão é encontrar o conde Orlok (Max Schreck) e vender-lhe uma casa em Wisborg – cidade onde mora Hutter. No castelo mal-assombrado, o negociante, antes cético, descobre que o comprador é um aterrorizante homem das trevas, sedento por sangue humano. Ao ver o retrato de Ellen (Greta Schröder), mulher do transtornado Hutter, o vampiro apaixona-se por ela.

Orlok parte de navio para Wisborg. A bagagem... caixões abarrotados de terra e ratos. A tripulação, sem saber o que transporta, aos poucos cai doente e morre. Numa das cenas memoráveis do longa, o barco atraca vazio no porto. Ratos saem do porão. As autoridades não alimentam dúvidas de que a embarcação traz a peste.

Após desembarcar, o conde carrega o próprio ataúde pelas ruas da urbe. Ele quer morder o pescoço de Ellen e tomar-lhe a vida. Hutter corre contra o tempo para salvar a amada.

A caracterização do personagem Orlok impacta. Crânio careca e deformado; dentes, orelhas, unhas e braços compridos; corpo raquítico e vestido de negro.

Filme é um dos mais relevantes e belos do cinema mudo

Clássico do movimento expressionista nas telas, a película teve remake em 1979,  o esplêndido Nosferatu, O Vampiro da Noite, pelas lentes de Werner Herzog. Nos papéis centrais, Klaus Kinski, Isabelle Adjani e Bruno Ganz. Em 2000, nova homenagem. Realizado por E. Elias Merhige, A Sombra do Vampiro, que conta a história das gravações do  original, é protagonizado por  John Malkovich (F. W. Murnau) e Willem Dafoe (Max Schreck).

M, o Vampiro de Düsseldorf

Obra-prima do diretor e roteirista Fritz Lang, M, o Vampiro de Düsseldorf (M, Eine Stadt Sucht Einen Mörder, Alemanha, 1931) integra a lista das principais produções do cinema mundial. Ao lado de Dr. Mabuse, o Jogador  (1922) e Metrópolis (1927), representa o auge do realizador. A interpretação fulgurante do ator Peter Lorre o tornou um mito da sétima arte.

Originalmente, o título era Os Assassinos Estão Entre Nós. Mas, em decorrência de ameaças do já poderoso Partido Nazista, o nome foi alterado, pois poderia ser interpretado como alusão à malta hitlerista. O M deriva da palavra mörder, assassino no idioma de Goethe.

Na Alemanha entreguerras, o serial killer Hans Beckert (Lorre) sequestra e mata crianças. A população mergulha no pânico. As autoridades, mobilizadas pela pressão da comunidade, fazem buscas nas ruas e buracos enfumaçados. Suspeita-se de todos – o maníaco pode ser o colega de trabalho, o vizinho, o transeunte.

A caçada policial traz problemas para as organizações criminosas, que veem seus rendimentos despencarem. Os líderes das gangues encontram uma saída: capturá-lo e, eles mesmos, julgá-lo. Aliam-se à associação de mendigos, espalhando vigias em vários pontos da cidade. Ao identificá-lo, a letra M é grafada em suas costas.

Atuação de Peter Lorre o tornou um mito do cinema

Primeiro longa sonoro do realizador austríaco, M, o Vampiro de Düsseldorf afasta-se da corrente expressionista e aproxima-se do realismo social. Em Dicionário de Cinema - Os Diretores, da editora L&PM,  Jean Tulard destaca a importância da película. "Inspirando-se numa história policial, a obra era uma evocação alucinante do mundo das quadrilhas. Além de Peter Lorre, toda a sociedade alemã era acusada. A utilização do som mostrava por outro lado o quanto Lang havia dominado perfeitamente o cinema falado."

Marido e mulher, Lang e Thea von Harbou, roteiristas do filme, tiveram destinos opostos. Ele partiu para o exílio, enquanto ela permaneceu em Berlim, servindo aos novos senhores e carrascos. Os dois se divorciaram em 1934. Lorre, judeu nascido László Löwenstein, escapou da perseguição nazista. Atuou em clássicos, como Relíquia Macabra (1941) e Casablanca (1942).

Um Dia de Cão

Nova York, tarde de 22 de agosto de 1972. No bairro Brooklyn, dois embaraçados ladrões assaltam um banco. A ação, prevista para ser rápida e eficiente, é interrompida pela chegada da polícia. Cercados, mantêm reféns os empregados do estabelecimento. Querem um jato para escapar e levar o dinheiro. Medo e expectativa. Autoridades e o bandido Sonny negociam.

O episódio, verídico, foi transformado no sensacional Um Dia de Cão (Dog Day Afternoon, Estados Unidos, 1975), do cineasta Sidney Lumet. Al Pacino e John Cazale formam a dupla criminosa. Também atuam Charles Durning e Chris Sarandon. O longa venceu o Oscar na categoria Melhor Roteiro Original.

Sonny (Al Pacino) e Sal (Cazale) permanecem durante horas sitiados pelos agentes de segurança e imprensa. Diante do prédio, Sonny conversa com o oficial Moretti (Durning), a fim de solucionar o caso. Numa das melhores cenas, Al Pacino empolga a multidão de curiosos aos gritos de "Attica", "Attica", "Attica", em referência à revolta de presos que terminou com dezenas de mortos.

Atuação extraordinária de Al Pacino é uma das atrações do filme 

Além da interpretação impressionante de Al Pacino, outro ponto que merece realce é o desempenho da mídia. Profissionais da TV – muitos trabalham lado a lado com os homens da lei – exploram a imagem de Sonny, dando-lhe glamour e a chance de torna-se herói. A razão do roubo, afinal, reside na vida privada do personagem, o que surpreende o espectador.

Lumet, diretor de Doze Homens e Uma Sentença, soube realizar um policial envolvente, com doses cômicas, sobretudo na primeira metade do filme.  Antes de Um Dia de Cão, Al Pacino havia trabalhado em O Poderoso Chefão, I e II, assim como John Cazale (o Fredo Corleone).